Легенды балета

Хореография, как вид искусства

В целом танец можно назвать старейшим видом искусства, отображающим потребность человека делиться собственными переживаниями, эмоциями за счет движений. Даже первобытные люди сопровождали танцами все важные для себя события: рождение детей, смерть, успешное завершение похода, избрание вождя племени, выздоровление кого-либо и пр. На основе танцев строились различные ритуалы, посвященные вызову дождя, воззванию к божествам для получения богатого урожая, об удачном завершении войны и пр.

За продолжительную историю человечества они претерпевали изменения, отражающие характер и направление культурного развития. Поэтому сегодня известна масса танцевальных видов, стилей и форм.

У каждого народа наблюдается собственная пластика, приемы «укладывания» движений на музыку. При этом язык танца, формировавшийся из типичных для народа жестов, положений рук, ног, головы, корпуса, складывался в соответствии с особенностями жизни этого народа. Поэтому в народных танцах нередко можно проследить как его историческое, так и социальное прошлое, а также особенности и определенные черты менталитета.

Со временем начали формироваться танцевальные па. Они произошли от таких основных видов движений, как ходьба, бег, прыжки, повороты, раскачивания. В результате их совмещения между собой и модернизации образовались традиционные танцевальные па.

Танец, как и любой другой вид искусства, имеет свои характеристики. Это в первую очередь:

• ритм – скорость повторения и варьирования основных движений;
• рисунок – характер сочетания различных движений при связке их в законченную композицию;
• динамика – изменение размаха и напряженности движений;
• техника – полнота владения собственным телом и искусность выполнения танцевальных па и позиций.

В большинстве танцевальных направлений важная роль отводится жестикуляции, в частности движениям рук.

При этом средствами выразительности служат не только ритм движений и динамика, но и гармоничность движений и принятия поз, пластика, мимика, темп движений, а также костюм и реквизит. Танец подчинен законам музыкальной системы, поэтому он так же, как и музыкальное произведение, измеряется теми же длительностями.

Несмотря на все это, хореография остается весьма демократичным видом искусства. С ее помощью тело получает возможность высказаться, выразить свою индивидуальность и неповторимость. При этом она позволяет развить творческий и личностный потенциал, помогает справиться со многими комплексами, расслабиться, а также преодолеть страх перед публичным выступлением.

Изначально, точнее, с момента начала развития хореографии, как отдельного вида искусства, созданием постановок занимались танцмейстеры. Они находились при королевских дворах и являлись предшественниками нынешних хореографов. Именно им принадлежит заслуга создания единых стандартов, которые позже стали именовать танцевальным этикетом и используются до сих пор.

Вацлав Нижинский

Несмотря на то, что записи выступлений Нижинского не сохранились, он считается одним из самых талантливых танцоров балета в истории. Очевидцы были поражены его прыжками, которые, казалось, бросают вызов гравитации.

В 1911-м Нижинского уволили из Мариинки за то, что он самовольно изменил свой костюм в «Жизели». Выйдя на сцену полуобнаженным, актер шокировал присутствовавших на постановке царских особ. Лишенный права танцевать на сценах императорских театров, Нижинский стал главным танцовщиком в труппе Дягилева.

Вацлав Нижинский. (wikipedia.org)

Несмотря на блестящую карьеру, уже в 29 лет Нижинский был вынужден оставить сцену. Нервные срывы, бывшие следствием шизофрении, не позволяли артисту выступать. Его последний танец публика увидела в 1919 году. Последние годы жизни артист провел в психиатрических больницах и приютах.

«Эпоха Петипа»

Знаковой фигурой петербургской школы балета второй половины XIX века стал французский балетмейстер Мариус Иванович Петипа. Он прибыл в Петербург по приглашению петербургского Большого театра, так как видел потенциал в развитии балетной культуры именно здесь. За свою творческую жизнь Петипа поставил более 70 балетных постановок, 46 из них — в России. Главными в балете для Петипа были артистичность исполнения, грация и чувственность. Благодаря любви к своему делу, Петипа фактически создал классический русский балет путём синтеза гармонии музыки и хореографии. Он отвергал эффекты и яркие представления в балете, считая их губительным для балета:

«Она развращает публику, отвлекая её от серьёзных балетов и приучая к феериям, которые вводят на балетную сцену такие господа, как, например, Манцотти, написавший феерию — да, да, не балет. А феерию — «Эксцельсиор».

Сцены из балета «Лебединое озеро» Фото: culture.ru

В период «эпохи Петипа» симфонический оркестр стал действующим лицом постановки, придавая спектаклю законченную эмоциональную окраску, объединяя хореографию и музыку в единое целое. Творческие союзы Петипа с Чайковским и Глазуновым подарили миру такие шедевры искусства как «Лебединое озеро» (1895), «Щелкунчик» (1892), «Спящая красавица» (1890), «Раймонда» (1898).

«Пролог. Дары фей». Художник — К. Коровин, 1914 г. Фото: mariinsky.ru

Премьера «Спящей красавицы» состоялась 3 января 1890 года на сцене Мариинского театра. В спектакле были задействованы только лучшие артисты балета того времени: Феликс Кшесинский, Павел Гердт, Платон Карсавин, Мария Петипа, Анна Иогансон и другие. Сюжет «Спящей красавицы» идеально подходил для драматургии симфонии и балета — каждый из четырёх актов имел законченный сюжет и мог существовать отдельно, но при этом был частью общей симфонии, которую можно было оценить только целиком. Хотя постановка была холодно принята критиками, она стала классикой мирового балета и триумфом творческого союза Петипа и Чайковского.

Большая роль в становлении и прославлении школы классического русского балета также принадлежит талантливым мастерам исполнительской деятельности — Павлу Андреевичу Гердту и Екатерине Оттовне Вазем.

В историю русского балета Гердт вошёл как первый исполнитель романтических партий принца Дезире («Спящая красавица»), принца Зигфрида («Лебединое озеро») и принца Коклюша («Щелкунчик»). Его исполнительская манера стала образцом танцевального стиля на протяжении нескольких десятилетий. Однако главным принципом стиля Петипа было главенство балерины в спектакле, а премьер балета занимал подчинённое место. Екатерина Оттовна Вазем была постоянной партнёршей Гердта. Она уступала ему в выразительности, но в технике не знала равных. Мастерство Вазем было эталоном танцевального искусства своего времени. Исполненные ей роли в балетах «Жизель», «Баядерка», «Корсар», «Бабочка», «Пахита» и другие были с успехом приняты публикой и критиками.

Екатерина Вазем в костюме Никии. Второй акт балета «Баядерка» Санкт-Петербург, 1877 г.

После окончания творческой деятельности Вазем преподавала женский средний класс в Петербургском театральном училище. Среди её учениц были Анна Павлова, Ольга Преображенская, Матильда Кшесинская и Агриппина Ваганова.

Творец современного искусства

Современный русский балет получил активное развитие после развала Советского союза. Так как весь мир уже преуспел в развитие нового танцевального направления, то российским хореографам пришлось приложить большое количество сил, что бы создать свое уникальное исполнение.

Занятия балетом сложный, но, тем не менее, очень интересный процесс, и если от природы человек имеет гибкость, пластику и целеустремленность, то обязательно добьется больших успехов.

Школа современного балета несет в себе порой глубокий философский смысл, и не каждый зритель, может выделить для себя главную мысль, в особенности, если он поклонник классического балета. Но, несмотря на такие сложности, зрители с большим интересом посещают постановки современных мастеров и остаются хорошего мнения об их мастерстве.

Творец современного искусства Борис Эйфман является руководителем всемирно известного Санкт – Петербургского коллектива современного балета.

Современные хореографические решения представлены в многообразных образах:

• трагедии;
• драмы;
• притчи;
• сказки;
• рок номера.

И каждая новая постановка будоражит зрителей, уводя в мир исторического русского общества и традиций, ведь именно они взяты за основы. Исполнители в совершенстве усвоили исполнение классических танцев и мастерски перевоплощаются в соответствии с требованиями сценария.

Благодаря этому мастеру классика и современность объединились и просуществуют долгие годы.

• Урок классического танца
• Алла Осипенко
• Екатерина Максимова
• Академия танца Бориса Эйфмана
• Как научиться танцевать

Эпоха романтизма в русском балете

С разгромом декабристов во всем наблюдался застой. Всякое свободомыслие было наказуемо и тщательно подавлялось правительством Николая I. Но уже в то время за высокий уровень профессионализма русский балет считался одним из лучших в Европе. Но из-за происходящих в стране изменений его развитие и приближение к романтизму застопорилось.

В это время просветительскому идеалу, базирующемуся на подражании природе, противопоставлялось 2-плановое отражение действительности, пропагандирующее романтиками. Таким образом, в искусстве наблюдалось противоборство отражения реального быта и идеального мира, придуманного и взлелеянного художником, который был значительно лучше действительности.

В эпоху романтизма стали значительно больше внимания уделять духовной жизни человека, что потребовало создания новых выразительных средств. Продуктом изысканий стало обогащение пантомимы изобразительностью живописного порядка, а танец стал единым целым с музыкальным сопровождением, визуально отражая ее выразительность.

Расцвет балетной музыки наблюдался в 1830-х годах. В это время жил и творил Михаил Иванович Глинка, навечно вошедший в историю оперы. Его балетные сцены стали значимым средством действительной, повествовательной и описательной характеристики, они были ярко окрашены симфонической образностью, подтверждением чего стали такие известные и нашим современникам оперы, как «Руслан и Людмила», «Иван Сусанин».

Далеко не все сразу понимали, что музыка балетных сцен в операх М. И. Глинки стала дверью для симфонизации танца и создания танцевально-сценической системы образов, отражающих музыкальную драматургию.

В эпоху романтизма большая часть постановок исполнялась гастролирующими иностранными знаменитостями. А русские танцовщицы имели возможность проявлять себя только в перерывах между ними. При этом в опере стали прибегать к такому приему, как перестановка декораций, а в сказочных действах стали использовать театральные механизмы. Кроме того, стали изменяться и балетные костюмы, причем это происходило в соответствии с меняющейся модой.

Костюм особенно сильно видоизменился на рубеже XVII—XIX веков. В это время отходят в прошлое скрывающие женскую фигуру кринолины, на смену которым пришли платья. В мужской же моде того времени наблюдается отказ от громоздких париков в пользу легких, хотя и затейливых причесок, а также головных уборов. Стало модным носить фраки и обтягивающие панталоны. Что же касается обуви, то башмаки с громоздкими пряжками и каблуками сменили туфли на гладкой и гибкой подошве.

Рудольф Нуриев

Легенда русского и мирового балета, один из самых красивых мужчин-танцоров в мире и, безусловно, талантливейший балетмейстер!

Экзотической внешностью мужчина обязан башкиро-татарским корням, которые, по словам танцора, и были причиной его страстного «горячего» характера.

История карьеры Рудольфа поистине удивительна! Мальчик учился танцевать у петербургской балерины Анны Удальцовой, которая была сослана властями в Уфу (где прошла большая часть детства Нуриева). В 1955 году Рудольф смог поступить в Ленинградское хореографическое училище, несмотря на то, что парню уже было 17 лет (возраст поступления в хореографическое училище на тот период — 10-12 лет)! Его сокурсники откровенно насмехались над ним, называли «деревенщиной». Кто вспомнит их имена сегодня? А Нуриева знает весь мир!

Взрывной характер Рудольфа полностью компенсировал его талант. Он был ярким, смелым, умело сочетал в своем танце традиции и новшества. После того, как Нуриев отказался от гражданства СССР и попросил политического убежища во Франции, в его карьере случился новый виток — теперь для его таланта и характера больше не существовало никаких рамок!

Нуриев танцевал во Франции (которая, кстати, отказалась предоставить ему политическое убежище), Дании и даже в Королевском балете Великобритании! Он заводил громкие романы со знаменитыми личностями и умело привлекал к себе внимание прессы. Остаток жизни танцор провел в Париже — городе, который он так любил…

Семья, учеба и первые постановки Д. Баланчина

Джордж Баланчин родился 23 января (10 января по ст.ст.) 1904 года в Санкт-Петербурге. Будущий хореограф и балетмейстер  появился в семье музыкантов:  его отец — Мелитон Антонович Баланчивадзе (1862/63-1937) был грузинским композитором,  народным артистом Грузии (1933). Одним из основоположников грузинской профессиональной музыки. Опера «Тамара Коварная» (1897; 3-я редакция под названием «Дареджан Коварная», 1936), первые грузинские романсы и др. Брат: Андрей Мелитонович Баланчивадзе (1906-1992) — композитор, народный артист СССР (1968), Герой Социалистического Труда (1986).

В 1914-1921 годах Джордж Баланчин обучался в Петроградском театральном училище, в 1920-1923 также в Консерватории. Уже в училище ставил танцевальные номера и сочинял музыку. По окончании его приняли в кордебалет петроградского Театра оперы и балета. В 1922-1924 ставил танцы для артистов, объединившихся в экспериментальный коллектив «Молодой Балет» («Valse Triste», музыка Яна Сибелиуса, «Ориенталия» Цезаря Антоновича Кюи, танцы в сценической интерпретации поэмы Александра Александровича Блока «Двенадцать» с участием студентов Института Живого Слова). В 1923 году поставил танцы в опере «Золотой петушок» Николая Андреевича Римского-Корсакова в Малом оперном театре и в пьесах «Эуген Несчастный» Эрнста Толлера и «Цезарь и Клеопатра» Бернарда Шоу.

В труппе С. П. Дягилева

В 1924 году Д. Баланчин гастролировал в Германии в составе группы артистов, которые в том же году были приняты в труппу «Русский Балет Сергея Павловича Дягилева». Здесь Баланчин сочинил в 1925-1929 годах десять балетов и танцы во многих операх театра Монте-Карло. Среди работ этого периода — спектакли разных жанров: грубоватый фарс «Барабау» (музыка В. Риети, 1925), спектакль, стилизованный под английскую пантомиму «Триумф Нептуна» , конструктивный балет «Кошка» французского композитора Анри Соге (1927) и др.

В поставленном им балете «Блудный сын» Сергея Сергеевича Прокофьева (1929) ощущалось влияние Всеволода Эмильевича Мейерхольда, балетмейстера и режиссера Н. М. Фореггера, Касьяна Ярославовича Голейзовского. Впервые черты будущего «стиля Баланчина» выявились в балете «Аполлон Мусагет», в котором хореограф обратился к академическому классическому танцу, обновляя и обогащая его для адекватного раскрытия неоклассицистской партитуры Игоря Федоровича Стравинского.

Самая успешная постановка 21 века

В 2004 году на музыку Дирка Хибриха Иржи Килиан поставил балет «Бессонница». В спектакле заняты шесть танцовщиков. Сцену по диагонали пересекает занавес белого цвета из листов бумаги. Он создаёт грань между вымыслом и реальностью, сознательным и бессознательным. Танцовщики проникают за экран и там начинается их трансформация. Балет «Бессонница» — это анализ человеческих желаний и взаимоотношений между людьми, рассказанный в шести монологах и четырёх дуэтных номерах. И. Килиана называют великим мастером нюансов, он прекрасно умеет находить такие танцевальные движения, которые способны выразить мельчайшие движения души — вздёрнутое плечо, сникшая кисть и т.д. Отзывы о постановках У зрителей различные эмоции вызывает Иржи Килиан (хореограф). Отзывы о его постановках можно встретить и весьма положительные, и крайне отрицательные. Многие пишут, что балеты этого хореографа их не цепляют и не впечатляют. Зрители не могут вникнуть в суть задуманного и воспринимают сюжет как бессмысленный. Многие считают, что в балетах Иржи музыка и хореография не одно целое, они сами по себе и не зависят друг от друга. А танцовщики просто исполняют какие-то движения, которые ни во что не складываются и больше похожи на вольные упражнения в гимнастике.

Спектакли И. Килиана, по мнению публики, будут интересы исключительно тем, кто является поклонником современного балета, а те, кому ближе классика, их просто не смогут понять. Есть люди, которые говорят, что большинство балетов И. Килиана вызывает у них ощущение мёртвого бездушия. Некоторые зрители пишут, что не любили авангард на сцене, пока не познакомились с творчеством знаменитого на весь мир чеха. Поклонники современного искусства называют Иржи гением, а его спектакли — шедеврами. В любом случае нужно обязательно сходить на балеты этого постановщика, чтобы как минимум познакомиться с его творчеством и составить о нём своё мнение, которое не заменят чужие отзывы.

Ответственность

4.1. Балетмейстер-постановщик несет ответственность за невыполнение или несвоевременное выполнение возложенных настоящей должностной инструкцией обязанностей и (или) неиспользование предоставленных прав.

4.2. Балетмейстер-постановщик несет ответственность за несоблюдение правил внутреннего трудового распорядка, охраны труда, техники безопасности, производственной санитарии и противопожарной защиты.

4.3. Балетмейстер-постановщик несет ответственность за разглашение информации об организации (предприятии/учреждении), относящейся к коммерческой тайне.

4.4. Балетмейстер-постановщик несет ответственность за неисполнение или ненадлежащее исполнение требований внутренних нормативных документов организации (предприятия/учреждения) и законных распоряжений руководства.

4.5. Балетмейстер-постановщик несет ответственность за правонарушения, совершенные в процессе своей деятельности, в пределах, установленных действующим административным, уголовным и гражданским законодательством.

4.6. Балетмейстер-постановщик несет ответственность за причинение материального ущерба организации (предприятию/учреждению) в пределах, установленных действующим административным, уголовным и гражданским законодательством.

4.7. Балетмейстер-постановщик несет ответственность за неправомерное использование предоставленных служебных полномочий, а также использование их в личных целях.

Главные постановки 70-80-х годов

Именно в эти годы Иржи Килиан получил международное признание.

Знаковые балеты этого периода:

«Свадебка»; «Просветленная ночь»; «Торс»; «Ритуальный шаг»; «Симфония в ре»; «Затонувший собор»; «Симфониетта»; «Возвращение в чужую страну»; «Дитя и волшебство»; «История солдата».

Балеты поставлены на музыку таких композиторов, как А. Шёнбер, И. Стравинский, Л. Яначек, Т. Такемиц, К. Дебюсси, Й. Гайдн, К. Чавес, М. Равель. В постановке «Свадебка» хореограф демонстрирует поразительное проникновение в сознание и ритуалы славян. Здесь смешаны православное христианство и язычество. «История солдата» — это смесь классического балета, современных танцев, пантомимы и танго. Сюжет повествует о человеке, который заключил сделку с дьяволом. «Дитя и волшебство»- это история французской писательницы Г.С. Колетт о мальчике, который был очень плохим и непослушным. Однажды ночью все игрушки, которые он сломал, все лягушки и бабочки, которых он мучил, собрались вместе, чтобы отомстить этому ужасному ребёнку.

Биография Ролана Пети

Когда ему было двенадцать лет, его мать, итальянка Роз Репетто, разошлась с мужем и уехала из Парижа, так что Ролана и его младшего брата Клода воспитывал отец, Эдмон Пети. В дальнейшем Эдмон Пети неоднократно субсидировал театральные постановки сына.

Ролан Пети с детства проявлял интерес к искусству, увлекался декламацией, рисованием, кино. Его отец, по совету одного из посетителей бистро, отдал Ролана в балетную школу Парижской Оперы, когда тому было девять лет. В училище Пети учился у известного педагога Гюстава Рико, его одноклассниками были известные в последствии Жан Бабиле и Роже Фенонжуа. Пети также посещал частные уроки русских педагогов Любови Егоровой, Ольги Преображенской, мадам Рузанн. 

В 1940 году Ролан закончил обучение, и получил место в кордебалете Парижской Оперы. В 1943 году Серж Лифарь, директор Оперы, доверил ему первое большое сольное выступление в балете «Любовь-волшебница». Примерно в это же время Пети вместе с Жанин  Шарра, в будущем — известной французской балериной и балетмейстером, организовали несколько балетных вечеров в Театре Сары Бернар. На одном из первых вечеров Ролан — представил свой первый опыт в хореографии — небольшой концертный номер «Прыжок с трамплина».

Ромео и Джульетта (1940)

11 января 1940 года в Ленинграде впервые ценители искусства увидели балет, с сюжетом которого знакомы все, Сергея Прокофьева под названием «Ромео и Джульетта».

В свое время балет считался скандальным, а теперь он является классикой, и многие театры показывают его искушенной публике. В балете 3 акта, 4-м является эпилог.

«Ромео и Джульетта» – один из самых популярных балетов 20-го столетия. Герои трагедии британского поэта Уильяма Шекспира навсегда остались в сердцах многих людей, как символ прекрасной и истинной, но в то же время трагической любви двух юных сердец.

Премьеру «нетанцевального» балета на музыку Прокофьева откладывали и запрещали в течение 5-ти лет.

Становление

4 мая 1738 года французский танцмейстер Жан Батист Ланде открыл первую школу балетного танца — «Танцовальная Ея Императорского Величества школа». В стенах Зимнего дворца Ланде начал обучать 12 русских девочек и мальчиков из семей дворцовых служащих. Впоследствии ученики Ланде помогали ему в преподавании искусства танца.

Репродукция картины Жана Батиста Ланде неизвестного художника

Первая балетная труппа была создана из учеников Ланде в 1742 году. Обучаясь у иностранных танцмейстеров, русские девушки и мужчины привносили в танец национальную самобытность и выразительность. 1 августа 1759 года — в день тезоименитства императрицы Елизаветы Петровны и по случаю победы над прусскими войсками при Франкфурте — была торжественно поставлена балет-драма «Прибежище добродетели», имевшая небывалый успех.

Особый виток в развитии русский балет получил во времена правления императрицы Екатерины Великой, когда возникла традиция организации крепостных балетов: помещики организовывали у себя в усадьбах труппы из числа крепостных крестьян. Наибольшим успехом пользовался балет помещика Нащокина.

Указом Екатерины II в 1783 году была создана русская оперно-балетная труппа. В репертуаре петербургского Большого театра наряду с итальянской оперой стали появляться произведения русских авторов: опера Е. Фомина «Ямщики на подставе», балет первого русского балетмейстера И. Вальбреха «Новый Вертер» на музыку С. Титова.

Петербургский балет первой половины XIX века тесно связан с деятельностью французского балетмейстера Шарля Дидло. Получив управление труппой петербургского балета, он провёл ряд значительных реформ, повлиявших на технику танца: были упразднены обязательные к ношению парики, шиньоны, кафтаны, башмаки с пряжками; введены обтягивающие трико и газовые туники

Так облегчённые в весе танцоры могли совершенствовать технику, чему Дидло уделял большое внимание. Особое внимание в постановках уделили полётам

Также была пересмотрена и расширена деятельность кордебалета.

Фото: vk.com/@samoilovfamilymuseum-chto-ne-tak-s-portretom-istominoi

Балет Дидло был пронизан романтическими настроениями, он старался наполнить традиционные античные сюжеты человеческими судьбами и стремлениями, пантомимой и танцевальностью. Поставленные им постановки «Зефир и Флора», «Рауль де Креки, или возвращение из Крестовых походов», «Хензи и Тао, или Красавица и Чудовище», «Кавказский пленник, или Тень невесты» отличались особой драматургией, живой актёрской игрой и ясностью сюжетных линий.

Портрет Екатерины Телешевой. Художник — О. Кипренский, 1828 г.

Ученицами Дидло были Авдотья Истомина, воспетая Пушкиным, ранняя любовь Грибоедова — Екатерина Телешева, а также Мария Данилова и Вера Зубова. Благодаря их таланту и яркой актёрской игре балет, руководимый Дидло, занял одно из первых мест в Европе.

Владимир Васильев

Перечислять награды и заслуги Владимира Викторовича Васильева можно бесконечно долго: он и танцор, и балетмейстер, и театральный режиссёр, а также актёр, художник, педагог… На протяжении 30 лет этот талантливый мужчина солировал в балетной труппе Большого театра, исполнив за это время практически все существующие ведущие партии.

В 70-х годах Васильев стал хореографом, с 1995 года — художественным руководителем балетной труппы и директором Большого театра.

В личной жизни Владимир был стабилен, как и в карьере, — его супругой стала бессменная партнерша — балерина Екатерина Сергеевна Максимова.

Майя Плисецкая

По всем параметрам она подходила на роль балерины: большой шаг, высокий, лёгкий прыжок, стремительные вращения, необыкновенно гибкие, выразительные руки и тончайшая музыкальность. В воздухе она буквально зависала, чем приводила в восторг публику.

В 1960-е годы, будучи первой танцовщицей Большого театра, Плисецкая требовала больше ролей. Специально для нее была поставлена «Кармен-сюита». А в 1970-х был написан балет «Анна Каренина», в котором Майя выступила в роли хореографа.

Великая балерина осыпана множеством наград не только в России, но и в Испании, Франции, Литве. В 1994 году она организовала международный конкурс, дав ему свое имя.

Майя Плисецкая. (wikipedia.org)